Depuis que j'ai découvert mon amour pour la peinture et été exposée à l'art, je ne planifie pas souvent mes sessions de peinture dans ma carrière artistique. La plupart du temps, je suis guidée par l'inspiration. Ainsi, lorsque je suis submergée par des émotions, que je souhaite exprimer quelque chose à quelqu'un, ou que ma tête est pleine de rêves, inspirée par des scènes de films ou des moments de la vie, je ressens naturellement le besoin de transposer ces images mentales sur du papier blanc. En général, beaucoup de mes créations sont basées sur l'intuition.

Cependant, cela peut mener à des périodes de "panne d'inspiration" lorsque je suis calme ou que je n'ai pas été exposée à des stimulations depuis un moment, autrement dit, des moments où je suis incapable de créer. Parfois, je capte une multitude de petites inspirations, mais elles ne se concrétisent jamais.

Je suis d'avis qu'il n'y a absolument rien de répréhensible dans le processus de création intuitive, car cet état est non seulement précieux, mais aussi unique en son genre. Les œuvres d'art qui émergent de cet état ont souvent une capacité contagieuse à toucher le public d'une manière plus profonde. C'est parce que ces émotions et ces images sont le produit d'un traitement subconscient à long terme de notre cerveau, elles ont tendance à être incroyablement sincères et naturelles. Pendant le processus de création, il arrive souvent que l'artiste se retrouve à terminer son œuvre sans effort, comme s'il avait été choisi par une certaine divinité pour peindre cette image précise à ce moment précis. Lorsque l'inspiration frappe, on se sent comme un génie, incroyablement chanceux, et on perçoit cela comme le véritable plaisir de l'art. C'est une expérience qui transcende le quotidien et qui nous rappelle pourquoi nous avons choisi de poursuivre l'art en premier lieu.

Alors, si vous aimez l'art, vous surmontez toutes les difficultés, captez ces inspirations et notez immédiatement les idées qui vous viennent à l'esprit. Vous savez pertinemment que si vous ne saisissez pas cette inspiration maintenant, elle pourrait disparaître à tout moment. C'est l'insaisissabilité de l'inspiration.

Cela signifie-t-il donc que nous ne pouvons pas créer sans inspiration ? Est-ce que cela implique que nous sommes incapables de dessiner lorsque l'inspiration nous fait défaut ?

Je crois que c'est une autre mauvaise interprétation de l'inspiration, une interprétation qui pourrait vous empêcher de devenir un véritable artiste.

Picasso était un génie à la technique impeccable, cela est indéniable. Cependant, beaucoup ignorent qu'il a copié de nombreuses œuvres de grands maîtres durant sa période étudiante et a passé beaucoup de temps à créer des œuvres figuratives. Avant de se lancer dans le cubisme, il n'avait pas de style particulier, mais il continuait à peindre. De nombreuses œuvres de Picasso ne sont pas si "exceptionnelles" et sont comparables à celles de nombreux autres artistes de son époque. Cependant, cela ne l'a pas empêché de devenir le Picasso que nous connaissons, ni de poursuivre son exploration vers le cubisme.

Dans cet ensemble, nous avons sélectionné quelques œuvres de Picasso, créées entre l'âge de 18 et 25 ans. Vous remarquerez que, pendant cette période de sa vie, il a passé un temps considérable à peindre dans un style réaliste. Sans une imagination aussi fertile et un style de réforme audacieux qu'il a développé plus tard, même si, à cette époque, il était déjà reconnu comme le meilleur peintre d'Espagne. Il est fascinant de voir comment son style a évolué, comment il a expérimenté et comment il a changé sa manière de peindre. Il est évident qu'il a constamment cherché à se réinventer et à repousser les limites de son art.

Science and Charity, 1897, Pablo Picasso

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Portrait of the Artist's Mother, 1896, Pablo Picasso

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Maternité, 1905, Pablo Picasso

Lumière des étoiles 

Ce n'est qu'après l'âge de 25 ans, lorsqu'il a eu l'occasion de rencontrer un groupe d'artistes avant-gardistes partageant une ambition commune de changement et d'innovation, notamment des figures majeures comme Cézanne, Matisse et Gauguin, qu'il a commencé à s'essayer à l'art du cubisme. Cependant, son voyage vers la découverte de son style unique n'a pas été instantané. Il a d'abord exploré l'expressionnisme, un mouvement artistique intense et émotionnel, avant de se tourner vers le fauvisme, qui se caractérise par une utilisation audacieuse de la couleur. Finalement, il a découvert une nouvelle approche, le cubisme, qui ne se limite plus à la représentation fidèle de la forme des choses dans la réalité, mais cherche à représenter leur apparence à travers la construction de formes. Durant cette période de développement artistique, il est important de noter qu'il a également passé du temps à étudier et à rechercher l'art primitif. Cette immersion dans l'art primitif a eu un impact significatif sur la formation de son style cubiste, influençant fortement l'évolution de son art et contribuant à façonner la direction de son travail.

En regardant la carrière artistique de Picasso et sa constante évolution, on se rend compte que même les génies ne sont pas en constante ébullition créative. Mais si vous décidez de vous lancer dans l'art, votre création ne devrait jamais s'arrêter. Il n'est pas toujours nécessaire d'être inspiré pour créer, le réalisme est aussi une forme d'expression artistique. C'est un sujet classique et universel, et souvent, l'expérience accumulée en travaillant sur de tels thèmes peut devenir le tremplin pour votre prochaine grande réussite. En tant qu'artiste professionnel, prenez le temps d'apprendre à planifier et à créer de manière réfléchie et consciente.

L'argument que je souhaite avancer est que l'émergence d'un nouveau style n'est pas le fruit du hasard. Au contraire, c'est le résultat de recherches et d'expérimentations approfondies qui évoluent progressivement. C'est un objectif qui peut être atteint par une planification soigneuse. Picasso avait un objectif à long terme. Il progressait pas à pas, s'inspirant d'autres artistes, cherchant "l'inspiration" dans différents styles artistiques. Il créait de manière consciente, avec un plan à long terme en tête. Il a finalement réussi à inaugurer le cubisme, nous laissant admirer d'innombrables œuvres cubistes uniques signées Picasso.

Si vous avez le désir de développer et de créer votre propre style unique, un style qui soit immédiatement identifiable comme le vôtre par ceux qui voient vos œuvres, il est essentiel d'entreprendre un processus de recherche, de découverte, d'exploration et d'essai conscient. Vous devez vous engager dans cette démarche avec détermination et une volonté inébranlable. Mais plus important encore, vous devez persister dans vos efforts, créer avec une clarté d'objectifs et une stratégie bien définie. En procédant de cette manière, vous serez en mesure de découvrir et de forger votre propre style, genre, monde et identité visuelle qui sont uniques à vous. Cependant, il est important de noter que ce n'est qu'après une grande quantité de pratique que vous serez en mesure de vraiment maîtriser ce style et de faire bon usage de l'"inspiration" que vous avez créée. Ce processus ne se produit pas du jour au lendemain, mais est le résultat d'un investissement constant en temps, en énergie et en passion.

Je considère que ce n'est ni complexe ni ardu. En commençant à planifier consciemment le développement de votre art, vous découvrirez votre potentiel artistique et vous évoluerez progressivement en tant qu'artiste accompli. Vous commencerez à participer à des expositions, à vendre vos œuvres et à vous faire connaître.

Naturellement, la condition préalable est que vous ayez une passion pour l'art, que vous soyez prêt à y consacrer beaucoup de temps et que vous accordiez une grande importance à l'effet visuel et à l'idéologie que vous souhaitez créer. Enfin, vous devez être prêt à mettre en œuvre votre propre plan. Après tout, la réalisation de tout objectif nécessite un plan d'action, n'est-ce pas?

Quel que soit votre niveau artistique, tant que vous avez un plan créatif, vous pouvez réaliser votre propre série d'œuvres. Que vous appreniez pour le plaisir ou pour maîtriser une compétence particulière, définir des objectifs et créer selon un plan vous permettra sans aucun doute de maîtriser cet outil. La pratique et l'exercice sont les meilleurs professeurs.

Avant de commencer tout projet artistique, la première étape clé est de définir vos objectifs de manière précise. Quelle est l'œuvre que vous souhaitez créer ?

Cette vision de votre œuvre finale doit être clairement définie et exprimée. Alors, qu'est-ce qu'un objectif clair en matière de création artistique ? Dans l'univers vaste et diversifié de l'art, la précision de vos objectifs est essentielle. Cela peut vous aider à garder le cap et la concentration sur votre travail créatif.

En outre, cela peut vous guider lors des moments d'incertitude, vous aider à repousser vos limites pendant le processus de création, et permettre à votre philosophie artistique et votre style unique de véritablement briller. C'est pourquoi la clarification des objectifs est un point de départ crucial dans tout projet artistique.

L'article d'aujourd'hui s'achève ici, mais nous n'avons pas fini d'explorer. Dans les prochains articles, nous décomposerons le processus créatif. Nous discuterons des objectifs artistiques, de la planification, et des facteurs à considérer comme le temps, les ressources et l'inspiration. Nous aborderons également la gestion de votre processus créatif. J'ai hâte de partager ces informations qui, je suis sûr, vous inspireront pour atteindre vos objectifs artistiques!