Honnêtement, je n'étais pas une passionnée d'art, mais depuis mon temps d'étude à l'Université Stendhal de Grenoble en France en 2014, je suis constamment à la recherche d'art. En France, beaucoup de personnes participent à des activités artistiques, achètent et collectionnent des œuvres d'art, et visitent des lieux d'art. Le pays mérite bien sa réputation d'être un pays d'art.

Ce pays ne décevra personne, qu'il s'agisse d'amateurs d'art traditionnel ou de jeunes enfants qui apprennent tout juste à marcher. Chacun peut y trouver son propre goût artistique, quel que soit son âge, ses préjugés ou ses préférences. Il s'agit davantage d'une rencontre avec la pensée. Dans ce pays de diversité culturelle, la richesse artistique est si vaste qu'elle en est éblouissante et innombrable.

Si vous souhaitez vivre un festin visuel artistique, ne manquez pas la foire Paris+ chaque octobre. Ici, vous pouvez non seulement voir les œuvres les plus avant-gardistes et créatives d'Europe et du monde, mais aussi avoir la chance de voir les œuvres rares que les peintres révolutionnaires de l'histoire de l'art ont gardées secrètes. Le nombre d'œuvres exposées vous procurera certainement une grande satisfaction spirituelle. Lorsque vous assistez à une foire d'art, n'oubliez pas de porter des chaussures confortables et durables, car vous constaterez que vous aurez marché sans vous en rendre compte tout l'après-midi.

Dans le passé, je me contentais de regarder aléatoirement les œuvres d'art dans chaque musée, ou seulement quelques-unes parmi les plus célèbres. Les expositions de musées habituelles sont souvent monotones, organisées autour d'un seul style, d'un seul artiste ou d'une technique. Toutefois, dans cette exposition co-organisée par des centaines de galeries, l'ennui esthétique est moins rapide, avec de nouvelles œuvres qui vous étonnent constamment. Ici, aucune œuvre n'est répétée ; chaque pièce est la plus représentative et excellente du moment. Que vous soyez un artiste à la recherche d'inspiration, un collectionneur ou un amateur d'art, vous trouverez de quoi vous ravir longuement. Même si vous n'êtes pas un passionné d'art, et que vous êtes simplement venu pour passer un bon moment avec des amis ou en famille, vous découvrirez que c'est infiniment divertissant.

Au fil des ans, mes intérêts et ma perspective ont évolué, mais les expositions annuelles continuent de m'inspirer et de me motiver. Je pense que la participation à ces types d'expositions artistiques, même commerciales, peut permettre de ressentir le dynamisme de l'art. Les œuvres d'art historiques exceptionnelles présentes dans les musées, reflétant les pensées historiques d'une autre époque, peuvent parfois ne pas toucher votre âme. Si vous êtes un collectionneur avec un plan de collection, ces expositions peuvent certainement vous aider à construire votre propre univers de goût. Même si vous n'avez pas encore commencé à collectionner, ces expositions peuvent vous aider à trouver votre propre voie.

Je suis une jeune professionnelle dans le domaine du design, avec une formation en peinture et en création graphique il y a environ cinq à six ans. Mon travail et mes études m'incitent à rester à jour et à comprendre les arts visuels. Je tire la plupart de mes inspirations d'Internet, des emballages commerciaux, des magazines publicitaires et des livres que je lis au quotidien. Je porte également une attention particulière à la décoration intérieure des boutiques lors de mes voyages. Néanmoins, je ne voyage pas beaucoup et mes opportunités de découvrir de nouvelles œuvres d'art physiques sont limitées. Heureusement, vivant dans une banlieue près de Paris, j'ai un accès aisé à de nombreux arts, ce qui est très bénéfique pour mes recherches.

Mes thèmes préférés incluent les plantes, les animaux et les paysages, en particulier les peintures abstraites et allégoriques de couleurs vives et à l'atmosphère harmonieuse. J'apprécie aussi les totems ou les peintures religieuses simples et primitives, ainsi que les œuvres d'art décoratives avec des éléments naturels et les sculptures en matériaux recyclés. Je porte également un intérêt à certains arts imprimés, notamment la gravure, le collage, la création numérique et les dessins au stylo à bille en lignes pures. Les œuvres d'art plus grandes que moi me marquent davantage. Bien que j'achète principalement des impressions, j'ai découvert de nombreuses nouvelles idées lors de cette exposition.

Je visite souvent des expositions avec mes amis. J'ai remarqué que peu importe la valeur réelle d'une œuvre d'art, si elle ne suscite aucune émotion en vous, si vous ne pouvez pas vous identifier à ses sentiments et valeurs, vous ne l'achèterez pas. Vous ne la promouvriez pas activement, vous ne la partageriez pas. Toutefois, une autre personne pourrait considérer que cette œuvre vaut des centaines de milliers pour sa collection. Elle l'exposerait, la partagerait, et l'évaluerait très positivement. Ces deux acheteurs pourraient avoir le même pouvoir d'achat et le même budget, mais leurs goûts personnels diffèrent. Chaque œuvre d'art est unique et ne trouve qu'un seul acheteur. Donc, le nombre de personnes qui l'aiment n'est pas important, ce qui compte, c'est qui finit par posséder cette œuvre d'art. C'est la plus grande différence entre l'art et les marchandises.

Plus le marché d'un produit est grand, plus les ventes sont élevées, et plus les profits de l'entreprise sont importants. Par conséquent, de nombreuses marques consacrent beaucoup d'énergie à accumuler des clients, en particulier pour les produits de consommation courants à bas prix. Les œuvres d'art et les produits de mode de luxe haut de gamme sont différents, ils sont généralement de haute qualité et faits à la main, avec des coûts de reproduction élevés et une grande difficulté, ils sont donc souvent en édition limitée.

La valeur de ces produits ne réside pas seulement dans le matériel, mais aussi dans le spirituel. Les besoins des acheteurs ne se limitent pas à la satisfaction de la qualité du matériel et de l'artisanat, mais comprennent également l'esthétique du design, l'émotion et l'expérience. Chaque œuvre d'art a des caractéristiques et des sentiments uniques, et cette qualité rare augmente sa valeur au niveau du design.

Enfin, la notoriété des œuvres d'art au niveau social et les discussions qu'elles suscitent ajoutent également beaucoup de valeur.

Pas tout le monde est un client potentiel pour les œuvres d'art, car les œuvres d'art sont fondamentalement différentes des produits ordinaires. Ils ne sont pas seulement des décorations pour la maison, leur fonction et leur nature sont complètement différentes de celles des produits ordinaires.

Cependant, l'artiste et son œuvre d'art sont de nature différente. Un artiste peut être demandé sur le marché car ses œuvres se vendent facilement. Par exemple, même si nous n'apprécions pas certaines œuvres de Warhol, nous reconnaissons leur valeur, du fait de notre compréhension de sa carrière et de l'influence de ses œuvres sur l'histoire de l'art.

Cependant, la popularité d'un artiste ne garantit pas nécessairement un prix de vente élevé pour ses œuvres. La renommée et la valeur de l'œuvre sont deux choses distinctes. Un artiste peut produire des œuvres de grande qualité mais rester inconnu, comme Van Gogh durant sa vie. Un artiste peut aussi être très célèbre, mais le prix de ses œuvres d'art peut ne pas être élevé, voire gratuit, comme c'est le cas pour de nombreux artistes de rue. Même pour des artistes renommés, le prix de leurs œuvres varie en fonction des caractéristiques, de l'état et de la période de chaque œuvre. Par conséquent, je ne suis pas d'accord avec l'idée qu'acheter un tableau revient à acheter une signature. La valeur des œuvres de Picasso dans sa jeunesse diffère significativement de celle de ses œuvres réalisées en vieillesse, bien qu'elles soient l'œuvre de la même personne.

À la foire d'art, j'ai vu des œuvres allant de centaines à des millions d'euros. C'était fascinant. En tant que visiteur, je n'avais pas prévu d'acheter. Mais j'étais intriguée par le prix de ces œuvres. Je m'imaginais où je pourrais les accrocher chez moi. Même sans les acheter, j'étais contente de savoir qu'elles peuvent être vues par tous. Pour moi, c'est important que l'art contemporain reflète nos voix, surtout sur des sujets comme l'écologie.

L'art contemporain est moderne, vibrant et regorge de pouvoirs inexplorés. Il a le potentiel d'influencer continuellement l'époque et l'évolution sociale dans laquelle nous vivons. La mission de l'art classique est révolue ; les peintres, leurs interlocuteurs et cette époque se sont tous éloignés de nous. Cependant, l'art contemporain persiste parmi nous, cherchant constamment à engager un dialogue avec chacun d'entre nous.

Cette communication est bidirectionnelle et en temps réel. Nous ne sommes pas simplement des spectateurs ; nous donnons aussi constamment des feedbacks aux artistes. Car c'est notre société, nous avons également une influence sur l'art contemporain. L'art contemporain est donc l'art de chacun d'entre nous.

Lorsque nous apprécions l'art, nous devons garder à l'esprit que la distinction majeure entre l'art et les objets ordinaires est que l'art véhicule un langage. Une œuvre d'art possède sa propre existence, sa propre individualité, on pourrait même aller jusqu'à dire qu'elle possède une âme.

Les objets ordinaires, eux, n'ont pas la même mission ni le même appel. Ils sont conçus pour servir l'humanité, tandis que l'art, lui, se situe au-dessus de nous. L'art est toujours un guide pour le développement de la société, anticipant son temps. Sa signification et sa fonction vont bien au-delà du simple plaisir visuel qu'il peut procurer à chaque spectateur. L'art ne se contente pas de vous regarder en face, il vous observe depuis une hauteur supérieure, scrutant votre âme. Il convient de noter que la beauté n'est qu'une de ses caractéristiques fondamentales. L'art est une forme de communication qui transcende les barrières de la langue et de la culture, il est un moyen d'expression universel qui peut être compris et apprécié par tous, quelles que soient leurs origines ou leurs expériences de vie. C'est ce qui fait de l'art un élément si précieux et si important dans notre société.

J'observe souvent que beaucoup d'objets décoratifs dans les magasins ou sur les marchés, bien que jolis et bien faits, n'ont pas l'expression sociale et émotionnelle qui devrait être dans une œuvre d'art unique. Leur prix ne dépasse pas souvent 100 euros, les mettant dans la catégorie d'artisanat. Ces créateurs peuvent être appelés peintres ou artisans, mais pas nécessairement artistes. C'est pourquoi je pense que même si certains artistes ont beaucoup d'œuvres, le prix de chaque pièce n'est pas élevé car elles manquent souvent d'expression intellectuelle et émotionnelle. Elles sont plus souvent faites pour plaire au public, pour devenir des biens, plutôt que pour l'art.

Après avoir réfléchi aux prix de nombreuses œuvres d'art contemporain atteignant des millions, je suis arrivé aux conclusions suivantes sur les caractéristiques communes des œuvres d'art hautement valorisées par le public :

Les artistes ont généralement plusieurs décennies d'expérience, souvent plus de vingt ans. Ils sont connus pour leur rupture avec les idées traditionnelles, maîtrisent parfaitement leurs techniques d'expression et continuent de créer et d'innover.

Ils ont une forte persistance des éléments visuels sur plusieurs décennies. Ils ont créé un langage visuel unique et ont choisi leur propre chemin artistique, réalisant des avancées en esthétique et enrichissant leur système visuel.

Leurs revendications sont restées constantes depuis le début. Ils représentent la voix de certains groupes de la société, et cette voix gagne de plus en plus en reconnaissance. Ils ont ouvert de nouvelles voies pour le développement social et apporté de nouvelles idées à l'humanité. Ces artistes ne se contentent pas seulement d'exprimer, ils luttent aussi pour le développement social, défiant constamment les idées anciennes. Ils sont très conscients de la société et méritent notre respect. Ce sont des maîtres dans leur domaine.

Ils ont des exigences de qualité élevées et chaque œuvre qu'ils créent est d'une finition impressionnante. Que ce soit en termes de compétence ou d'expression d'une idée, rien n'est laissé au hasard. Je pense que c'est une autre forme d'obsession de la perfection qui se distingue des trois premières.

J'ai récemment pris conscience que mes critères d'évaluation des œuvres d'art n'étaient pas toujours justes.

J'avais initialement l'impression que l'abstractionnisme était le mouvement artistique le plus apprécié actuellement, cependant, il apparait que la peinture figurative conserve une place importante sur le marché.

Je pensais que les œuvres d'art imprimées ne valaient pas beaucoup, mais j'ai vu de mes propres yeux plusieurs maîtres prolifiques utiliser cette technique.

J'avais des doutes sur la pérennité du NFT après la pandémie. En réalité, la peinture numérique a émergé comme un nouveau média ces deux dernières années et a trouvé sa place sur le marché de l'art, ce qui est surprenant.

Au départ, je pensais que les jeunes artistes avaient du mal à se démarquer au milieu de la profusion de talents dans l'art contemporain. Cependant, tant qu'un artiste a une vision artistique distincte, il a sa place dans l'art contemporain. C'est un champ sans limites. Nous devrions encourager l'originalité et la jeunesse, car elles symbolisent un potentiel de croissance.

Je croyais autrefois que les artistes devraient se limiter à un certain médium et à une certaine technique, et ne pas expérimenter avec divers matériaux. En réalité, les artistes peuvent explorer différents médias d'expression. La curiosité apporte plus de surprises au public. N'entravez pas votre désir d'exploration, ne soyez pas limité par les matériaux. Il n'y a pas de conflit entre l'huile, l'acrylique, le tissu et la sculpture; ils peuvent coexister. Tant que votre expression de pensée et vos éléments visuels sont cohérents, vous restez authentique. Le matériau est secondaire, l'important est votre monde intérieur.

J'avais l'idée que peindre des portraits était plus lucratif que peindre des plantes, des animaux ou des paysages. Cette idée est en fait un piège de l'économie marchande. Peindre un portrait pour quelqu'un d'autre est un service, pas de l'art. Par contre, si le sujet du tableau a une certaine représentativité sociale plutôt qu'une personne spécifique, cela peut attirer davantage d'intérêt. Les portraits peuvent parfois se vendre très bien, mais cela ne signifie pas que les paysages et les natures mortes ne peuvent pas avoir une grande valeur. Tant qu'il y a une expression d'émotion, les paysages et les natures mortes peuvent aussi avoir un grand impact. L'expression des émotions n'a pas besoin de se faire uniquement à travers des portraits. Donc, si vous préférez peindre des animaux, des plantes ou des paysages, allez-y sans hésiter.

Voici quelques captures d'écran des œuvres que j'aime particulièrement dans cette exposition. Si vous avez des ressentis différents, n'hésitez pas à laisser un commentaire ci-dessous pour rejoindre la discussion !